イーハトーボの劇列車

14年振りの再演。
木村光一さんが退き、井上ひさしさんが亡くなり、宇野誠一郎さんもこの世を去られて以降、初めての上演になる。

初めに書いてしまうが、私は井上戯曲を多分三分の一くらい観ている（回数じゃなくて本数として）。その中でもこの『イーハトーボの劇列車』は、スペシャル付きで好きな作品なのだ。
初演の矢崎滋の演技は今もって忘れ難いし、最後に上演された村田雄浩のバージョンは、これこそ井上ひさしの描きたかった賢治像に違いないと思わせる素晴らしさだった。
脳内ではそれぞれの上演のいいとこ取りで極私的完全版が上演できるくらいに、逆に言えば先入観だらけで、観に行った今回の舞台なのだ。だから多少、評価は辛くなるのかも知れない。

ということを踏まえて、全体を通じて感じたのは「無理をしている」感だった。
何がどう「無理をしている」かと言えば、演出家の鵜山仁が、木村版イーハトーボのイメージから脱却すべく、小細工に走ってしまったのではないか、ということだ。
楕円に傾いだ回り舞台、空を飛ぶ背の高い車掌、必要以上にコミカル路線に走った山男と鉄砲撃ち。どれも必然からではなく、木村版との差別化を目的とした細工に思える。そして井上芳雄の軽みが掘り下げの浅さにつながり、賢治の葛藤や屈折した心理のちりばめられた台詞がいっこうに伝わって来なかった憾みだ。

再度断っておくが、こちらは先入観満載で観ている。
ここでこの台詞、東北人賢治がなんども上京を繰り返し、その都度故郷を飛び出す使命感、父の影響から離れようとする自負心、首都と故郷を往復する中で培う自己肯定と裏返しの絶望、そして到達する諦観。それらを表現するシーンが重なって重なって、井上ひさしの賢治が立体化されてゆくのを観たい、という先入観の塊だ。
だから、それらがことごとく肩すかしを食らうことの気持ちの悪さ、消化不良感が最後まで尾を引いたことは否めない。

かといって舞台としてつまらなかったかと言えばそんなこともなく、普通にきちんと仕上がっていたと思う。
音楽は、宇野誠一郎の作曲をベースに、荻野清子がキーボード主体の生演奏と効果音で、芝居に溶け込んだ音を作っていた。こういう、演奏家が演奏者の立ち位置で芝居にかかわるスタイルはこまつ座の音楽劇の大きな特徴を成しており、今回の扱いも悪くなかった。できることなら、俳優陣も音作りに関われた方が、世界が広がったかなと思う。

それからのブンとフン（2013年10月8日（火）マチネ＠天王洲アイル銀河劇場）

ここ二年余り舞台から足が遠ざかっていたが、久々にこまつ座の芝居を観に行った。

『ブンとフン』という無類に面白い小説は初版当時に読んでいて、つぎつぎ繰り出されるダジャレや調子のいい歌（音楽はないけれど、読んでいるだけでリズムが浮かんで来るような）、奇想天外の展開が楽しくて、何度も繰り返し読んだものだ。
それがテアトル・エコーで舞台化されて、でもその後再演されることはなくて、私の中ではいわば憧れの夢の舞台のひとつだったのだ。

あちこちで少しずつ電車が遅れて開演後に入場。天王洲アイルは遠い。
フン先生の前にオリジナルブンが登場して、あのブンとフンのテーマが始まるあたりだ。
♪どこにでもいるブン
　誰にでもなるブン
いかにも宇野誠一郎氏らしい、シンプルなのに心浮き立つメロディーは、実は宇野作品集のCDですでに御馴染みだ。それを耳にした途端、ああ、井上ひさしも宇野誠一郎ももういないのだ、あの人たちの新作を見たり聴いたりすることはないのだという思いが痛切にわき上がって来て、自分でも驚いたことに涙が溢れてしまった。
更に白いミニドレスにオレンジ色のアフロヘアのかつら、羽付き扇を揺らす小池栄子が、何故か平井道子さんを彷彿とさせるのだった。

舞台の前半はほぼ小説に則って進む。
フン先生が書いた「不可能なことは無い、四次元世界の大泥棒」の設定通りに、本の中から飛び出してきて何でも盗んでしまうブン。小説で読んだ頃、この展開が面白くて面白くて何度読んでも吹き出してしまい、決して電車の中では読めない本のひとつだった。
しかし初めて見る舞台ではあるが、すでに知っているギャグ。しかも40年前のものだから、ある意味切れ味がダサい。テンポが悪い。初期の井上ひさしの荒っぽさ、どうしても入れたい露悪趣味が、笑える方に振れるか引いてしまう方に振れるか、そのバランスは微妙だ。
客席の反応もまばらで、内心おろおろと、ここは本当に面白かったんですよ、抱腹絶倒のたたみかける展開だったんですよと言い訳したくなってくるが、何と言えばいいのか、子供の頃の私が小説で味わい、文章からイメージした面白さ、40年前の先端だった面白さは、おそらく取り戻すべくも無い。そしておそらく、演出はそんなことは百も承知で、下手にいじらずにそのまま出して来ている。ではなく、著作権が厳然として生きている井上ひさしの戯曲は、勝手なアレンジが許されないのか。

だからと言って、舞台がつまらない訳では勿論ない。
座長・市村正親を筆頭に、俳優たちの動きのよさ、台詞の聴き取りやすさ、とても複雑なのに滑らかにかつスピーディーに転換する舞台、そして朴勝哲の生ピアノ。
朴さんはこまつ座公演ではすっかり御馴染みのピアニストで、彼が下手側に置かれた小さめのグランドピアノの前に座しているだけで安心して観ていられる気がしてくる。

さて、初めは不可能なことがない自分たちの能力に酔いしれ、シマウマの縞だのテムズ川の水だの、常識外れとはいえ他愛無いものを盗んで嬉しがっていたブンたちが、やがて物事を考え、もっと盗みがいのあるもの、権力や記憶などに眼を向けるようになってくる。
世界的ベストセラーになり、出版された国と冊数の分だけ増えたブンたちと常識を重んじる警察長官の対立ははっきりと二極化し、翻訳の違いが生む差異でブンたちも一枚岩ではなくなって四分五裂し、その狭間で生原稿から生まれたオリジナルブンやフン先生は翻弄される。そう、この戯曲が書かれていた当時は米ソ冷戦のただ中であり、安保闘争が終焉に向かう時代なのだ。
主張がぶつかり合うものの能力値は全く対等なブンたちは相対することで硬直してしまい、次々に動きをとめてゆく。
残ったのはオリジナルブン対ト連ブンと丹国ブンの３人。光速の四分の三のスピードで逃げ回り追いかけ回る、その差は決して縮まらない。
常識が大事だった筈の警察長官は非常識にもキュートな悪魔を味方に呼び出し、ブンたちの抹殺を計る。
フン先生はブンに対する人質として地下深くとらわれてしまう。
最後、俺の小説が受け入れられてたまるかとうそぶき、売れないことを矜持としていたフン先生が、何もない牢獄でも書き続ける決意をし、白い壁に向かって指先の血を使って文章を記し始めるという重いシーンで舞台は終わる。

おそらくは38年前のエコーの舞台でも、ここは重く暗かったことだろう。初演時の観客がどういうい気持ちでこのシーンを見たにせよ、今、この舞台を見る私たちは、劇作家がこの初期の戯曲発表の後に歩んで来た道を知っている。
それが、今、この作品を再演することに意味を与えるのではないかと考える。
劇作家の没後３年、過去を振り返るにはちょうどいい時期だ。没後１年では落ち着かないし、５年、10年と経てばどこかに距離が生まれてしまう。観客がまだ作家の存在を近いものとして感じ取れる今、初演の時に作家の分身ともいえるフン先生が示した決意と覚悟に改めて思いを向ける。これはそういう舞台だったのかも知れない。


さて、何と言っても特筆したいのは栗山演出と宇野メロディーだ。
とても緻密でありながら、演出の色を感じさせない栗山民也は、透明な極彩色を思わせる。
そして冒頭でも書いたけれど、昔の音源も使っているらしい宇野誠一郎の劇伴は何ともいえず心を躍らせる。五月舎の制作で初めて井上芝居を観た頃から、いや、チロリン村やひょうたん島の頃からの馴染みで、数あるアニメやCMも含めて、宇野誠一郎の音楽に育てられた部分が確実にある世代なもので、この舞台の音楽は本当に胸に染みた。場面により、現在の作曲家の補作あり。

フン先生を演じる市村正親の軽さと存在の深さが、劇の要になっている。
意外と言っては失礼だが、小池栄子が良かった。
姿が良く、声がいい。舞台の上で栄える華がある。変な言い方だが、ちゃんとした女優さんなのだと改めて思う。

井上作品には数本出ている山西惇、久保酎吉の手堅さ。
新感線くささを封じながらも個性を際立たせる橋本じゅん。
身長の低さ、身体の動きの良さを生かして軽やかに演じ分けてゆくさとうこうじ。
動きのよさと歌唱力、声量が圧倒的な新妻聖子。
ネコの姿態、長官秘書が印象に残った飯野めぐみ。
ひとりずつ名前を挙げてゆくとキンパチみたいになっちゃうからやめるけど、俳優陣はみんな良く、いいアンサンブルを生み出していた。
そして舞台上のもう一人、ピアノの朴勝哲も大切な登場人物だった。


このマチネでは、終演後にアフタートークがあってそれも残って聴いて来たけれど、長くなるので一旦アップする。

のだめカンタービレ 最終楽章 前編＠池袋HUMAXシネマズ

映画

マンガが原作だからという開き直り（？）の遊び心が満載で楽しめた。後編への伏線もしっかり。
それにしても玉木宏だ。テレビシリーズの初期では目を覆いたくなるほどの指揮者ぶりだったが、回を追うごとにどんどん様になって来て、今回の演奏シーン（指揮、ヴァイオリン、ピアノ）は本当によかった。生半可な努力ではなかったと思う。

ジュリー＆ジュリア＠新宿武蔵野館

映画

年末に観に行ったら、満席で入れなかった映画のリベンジ（？）鑑賞。
何かの映画で予告編を見て面白そうだと思い、帰りに行きつけの本屋で原作本を見つけて購入。それも中々に面白かったので、本編を見たいと思っていた。

水曜日はレディースデイで、70席余りの小さなスクリーンは９割の女性客と、片手で数えられるほどの男性客とで今回もいっぱいだった。上映館数が少ないので仕方がないのだが、平日の昼間でこれだけ人が入るのだから、もう少し大きいところに移してもいけるんじゃないだろうか。

私が読んだ「原作」は料理日記ブログを元にまとめられたもので、それはアメリカの伝説的料理本「フランス料理の達人」の500余りのレシピを一年間で全部つくるというプロジェクトだ。プロの料理人ではない、普通のOLであるところの著者・ジュリーが取り組む本格フランス料理。その料理本を50年前に書いた女性・ジュリアが映画ではもう一人の主人公であり、演じるのがメリル・ストリープだから一番始めにクレジットされる。
「原作」でもジュリアの経歴がとびとびに語られるけれど、映画ではその比重がもっと大きく、現代のニューヨークに暮らし、9.11の後処理の事業団体に勤務しつつ自分自身のありようを模索するアラサー女性と、外交官の夫の赴任先に同行し、世界中を旅しながらフランス料理の料理本の出版を目指すアラフォー女性とのそれぞれの対比と共通点がより立体的に描き出されていて面白い。
「原作」と「 」つきで書いているのはそのためで、映画ではジュリアの伝記も取り入れて、２冊の底本を元に映画化しているのだった。

ハートウォーミングなよく出来た脚本で、随所で女性客ならではの共感の笑いや嘆息が上がる。
ラストシーン、プロジェクトを完遂したジュリー夫妻は、スミソニアンに再現されたジュリアのキッチンを見学に行く。ジュリアの写真の前に、本の中のフランス料理に欠かせなかった１ポンドのバターの包みを置いて立ち去るジュリー。そして無人のキッチンがアップになる。博物館の平面的な照明にくまなく照らし出された小さなそのスペースの光線がふいに変わり、左手の窓からの陽光を一杯に受けた温かみのある場所に変化したかと思うと、右手の入口からジュリアが入って来て鍋の味見をする。手紙の束を持って入って来た夫のポールがダイニングテーブルについて、二人で楽しげに会話を交わし微笑みあうストップモーションで映画は終る。
その二つ前には、プロジェクトをやりとげたジュリーが最後のレシピで夫とともに友人たちをもてなすシーンがあって、その二つが相俟って食べる事、食べさせる事、人が集う事の親密さや満ち足りた空気は50年前も現在も同じなのだと感じさせられる。観終わって、なんとも温かい優しい気持ちになる映画だった。


ところで、ラストシーンのあと黒バックに白文字でエンドロールが上がってくるとすぐ、後ろの女性客がしゃべり始めた。声と内容からしていい年なんだろうが、今終ったばかりの映画とは関係のない話題で、非常識なヤツらだなと思う。我慢して画面を見ていたもののおしゃべりは一向に止む気配がなく、たまりかねて振り向いて注意しようかというところで、おばさんの隣の席の人が何か言ったらしい。すると、そのおばさんたちは「何よ、映画はもう終ってるのよ」と言い返したのだ。なんだこいつら、終ってれば館内で得手勝手にしゃべってもいいっていうのか、そもそもエンドロールだって映画のうちなんだぞ、と思う。さらに逆切れして文句を言い募ったので、結果、注意が逆効果でよけいに鬱陶しくなってしまった。レディースデイにはおばさんたちが茶の間のレンタルビデオ感覚で映画館に来る事が増えたように感じていたのが実証された気分だ。注意した人には申し訳ないが、関わり合いにならなくて助かったと思う。

アバター3D（字幕）＠新宿ピカデリー

映画

今年最初の映画鑑賞であった。
腐海で王蟲でイバラードで獣王星でパーンの竜騎士で小さな巨人でダンスウィズウルブスでエイリアンでプラトーンで、ああ、他にもなんかあったなあ。色々なイメージの貼雑帳のような娯楽作品。あれを「全くのオリジナル」と明言するのは如何なものかと思う。一種の防御線か。

優れた映像作品＝優れた映画とは限らないんじゃないかと考えさせられる。あなた、そこまで人間に絶望してますか、と頭の中で問いつめてみる。
面白かったけどね。よく出来た脚本と演技陣、手抜きのない映像で、立体眼鏡の差額分を出す価値はある。一度は観に行くとして、３D版体験をお薦め。もっとも３D体験慣れした友人に言わせると、もはや立体画像も特筆に値しないと感じるそうだが。